Mucho antes de que existieran los proyectores, los softwares o la inteligencia artificial, el ser humano ya exploraba las posibilidades expresivas de la luz. Las sombras proyectadas sobre una pared, el fuego como generador de imágenes o los primeros juegos visuales formaban parte de una necesidad primitiva: representar, emocionar y contar. Aquellas formas iniciales, que podrían parecer lejanas, están en el origen de un lenguaje que ha evolucionado durante siglos y que hoy encuentra en la tecnología nuevas herramientas para expandirse.
Ese recorrido histórico, que conecta las primeras experiencias visuales con las prácticas digitales contemporáneas, es el punto de partida del taller que el artista multimedia Azael Ferrer impartirá desde este martes 7 en la UNED, dentro del ciclo Azul. Una propuesta que no solo se centra en el presente, sino que invita a entender cómo la tecnología se ha ido incorporando progresivamente a las artes escénicas hasta convertirse en un elemento estructural dentro de su lenguaje.
Ferrer llega a Melilla con una trayectoria de más de veinte años en el ámbito de las artes visuales y escénicas, un campo en el que ha desarrollado proyectos vinculados al diseño de iluminación, la videoescena, las instalaciones audiovisuales o la creación visual en directo. Su trabajo se caracteriza por la construcción de experiencias inmersivas en las que la luz, el sonido y la imagen no actúan únicamente como acompañamiento, sino como elementos capaces de articular la narrativa y transformar la percepción del espectador.
Lejos de presentar estas prácticas como una ruptura con el pasado, el artista insiste en situarlas dentro de una evolución continua. Muchas de las técnicas asociadas hoy a lo digital —como el videomapping o la integración de imagen en escena— tienen antecedentes que se remontan a décadas e incluso siglos atrás. La diferencia, explica, radica en que los avances tecnológicos han permitido agilizar procesos, abaratar costes y facilitar el acceso, lo que ha contribuido a su expansión en distintos ámbitos del espectáculo.
El taller se articula en torno a tres ejes que resumen buena parte de las prácticas actuales: la videoescena, entendida como la creación visual aplicada a la escena; la inteligencia artificial, incorporada como una herramienta más dentro del proceso creativo; y la interactividad, que introduce nuevas formas de relación entre el cuerpo, el sonido y los elementos visuales. Tres líneas que no funcionan de manera aislada, sino que se cruzan y se complementan en la construcción de propuestas escénicas contemporáneas.
Desde esa perspectiva, la tecnología deja de ser un recurso secundario para adquirir un papel activo dentro del lenguaje artístico. La luz puede generar atmósferas, pero también construir significado; el vídeo puede contextualizar, pero también narrar; y el sonido puede trascender su función habitual para convertirse en un elemento que interactúa y modifica lo que ocurre en escena. Este enfoque abre un amplio campo de aplicaciones que va desde el teatro, la danza o la música en directo hasta instalaciones en museos, festivales o eventos, donde la integración de recursos audiovisuales permite no solo acompañar, sino también definir la experiencia del espectador. Se trata, en definitiva, de un ecosistema en el que los distintos lenguajes dialogan, se superponen y amplían las posibilidades creativas.
La propuesta formativa combina una primera parte teórica, en la que se traza un recorrido por la evolución de estas prácticas a través de ejemplos y referencias, con una segunda fase de carácter práctico. En esta, los participantes tendrán la oportunidad de acercarse a diferentes herramientas, experimentar con software específico y explorar dinámicas en las que intervienen sensores, luz, sonido o técnicas de videomapping, observando cómo todos estos elementos pueden integrarse en tiempo real dentro de una misma experiencia.
A pesar del peso de la tecnología, Ferrer subraya la importancia del concepto como punto de partida. En su planteamiento, la idea precede al uso de la herramienta: es el contenido, la intención o el mensaje lo que determina qué recursos se utilizan y cómo se aplican. Esta forma de trabajo se refleja en su propia trayectoria, en la que ha desarrollado proyectos tanto de carácter conceptual como propuestas más abstractas, siempre sustentadas en una investigación previa.
Entre sus iniciativas destaca el proyecto audiovisual Bromo, del que es cofundador, y en el que se abordan diferentes temáticas a través de la combinación de audio, vídeo, iluminación y herramientas digitales. Su perfil profesional se completa con una labor docente en distintos centros y su participación en la Asociación de Autores y Autoras de Iluminación y Videoescena de España, desde donde se impulsa el reconocimiento de estas disciplinas dentro del ámbito cultural.
La llegada de este taller a Melilla supone, además, una oportunidad para acercar este tipo de prácticas a un contexto donde no siempre resultan accesibles. En este sentido, la iniciativa no solo aporta conocimientos técnicos, sino que abre una vía para que el alumnado y los interesados en el ámbito artístico y audiovisual puedan descubrir nuevas formas de creación y ampliar sus horizontes dentro de un campo en constante transformación.
Con esta propuesta, el ciclo Azul arranca mirando al pasado para entender el presente y proyectarse hacia el futuro. Un recorrido en el que la tecnología no sustituye la esencia del hecho artístico, sino que la acompaña, la amplía y redefine las formas en las que hoy se construyen y se comparten las experiencias escénicas.
