Cuando la organización del X Ciclo de Microteatro del Hospital del Rey propuso a las compañías trabajar sobre el Siglo de Oro, Aránzazu Mansilla tuvo claro que la respuesta de Phoenix no podía consistir en reproducir una comedia clásica. El reto no era únicamente elegir un texto de la época, sino encontrar uno que permitiera integrar la identidad de una compañía acostumbrada a una línea de humor muy particular. a búsqueda comenzó entonces con una pregunta sencilla: encontrar un texto del Siglo de Oro que permitiera mantener esa identidad sin renunciar al espíritu de la propuesta.
La respuesta apareció casi por casualidad, al detenerse en un dicho popular que todos conocen -"Los amantes de Teruel, tonta ella, tonto él"- y que la llevó de nuevo hasta la historia de Diego e Isabel. Esa búsqueda terminó llevándola hasta Juan Pérez de Montalbán y su versión de los Amantes de Teruel. Mansilla recuerda que el propio Montalbán escribió una comedia y que la diferencia radica en que el humor del siglo XVII respondía a códigos muy distintos de los actuales.
A partir de ahí comenzó un proceso en el que el teatro del siglo XVII acabaría encontrándose, durante el proceso de dramaturgia, con referentes tan alejados en el tiempo como Monty Python o Les Luthiers. La investigación y el estilo particular de la compañía acabarían desembocando en Bajo las torres de Teruel, la obra que Phoenix estrenará este jueves, a las 21.30 horas, dentro del ciclo de Microteatro del Hospital del Rey, con nuevas funciones el viernes y el sábado. El punto de partida fue la versión que Juan Pérez de Montalbán escribió sobre los Amantes de Teruel durante el Siglo de Oro, aunque Mansilla pronto descubrió que acceder a aquel texto no iba a resultar tan sencillo como esperaba.
La dramaturga explica que no consiguió localizar una edición moderna de la obra. Su única opción fue acudir a los manuscritos originales digitalizados conservados en la Biblioteca Nacional y trabajar directamente sobre ellos. Durante cerca de tres meses y medio fue leyendo, interpretando y reconstruyendo un texto escrito a mano varios siglos atrás, un trabajo que terminó ocupando mucho más tiempo que la propia escritura de la adaptación. Había palabras prácticamente ilegibles, frases incompletas y una caligrafía que obligaba constantemente a interpretar el sentido de cada escena antes incluso de pensar cómo trasladarla al escenario.
Aunque reconoce que siempre le ha atraído el teatro clásico y que está acostumbrada a leer castellano antiguo, asegura entre risas que buena parte del trabajo consistió en descifrar una escritura que, en ocasiones, parecía "letra de médico". La dificultad no estaba tanto en comprender el lenguaje de la época, que Mansilla conoce, como en averiguar qué decía realmente aquel manuscrito. Esa labor de lectura terminó siendo, según explica, mucho más compleja que sentarse después a escribir.
El resultado no es una versión literal de Montalbán. Mansilla conserva los personajes y las principales escenas escritas por el dramaturgo del Siglo de Oro, pero reconstruye el desarrollo de la historia desde la libertad creativa. Su intención nunca fue modernizar el argumento, sino hacerlo dialogar con la forma de entender el teatro que caracteriza a Phoenix. La estética permanece vinculada al universo del Siglo de Oro, mientras que el lenguaje, el ritmo y el humor se desplazan deliberadamente hacia códigos contemporáneos en la línea identitaria de la compañía. Los personajes rompen la cuarta pared, conversan con el público y utilizan una comicidad que convive con el relato original sin ocultar su procedencia clásica.
Esa convivencia entre tradición y actualidad responde también al modo en que Mansilla entiende la dramaturgia. Explica que sus obras nunca terminan cuando concluye el guion. Antes de escribir desarrolla una escaleta que va ampliando poco a poco hasta crear la obra escrita; después llega otra transformación. En los ensayos, cada actor y actriz aporta matices, modifica gestos, propone soluciones y termina haciendo suyo el personaje. El texto, sostiene Mansilla, permanece vivo hasta prácticamente el estreno.
Ese método de trabajo también ha condicionado la construcción de los personajes. Marina Requena interpreta a Isabel, una protagonista que se aleja deliberadamente de la mujer contenida y resignada que aparece en muchas versiones clásicas. Mansilla aprovecha la personalidad escénica de la actriz para otorgarle mayor fuerza y presencia, incorporando rasgos que rompen con esa imagen más pasiva de la protagonista en la versión clásica. Frente a ella, Manu Arrarás da vida a Diego, formando una pareja protagonista que sostiene el relato junto a Domingo García, Fernando y Pablo Alemany, María Mansilla y la propia directora, que también participa como actriz en escena.
Compaginar dramaturgia, dirección e interpretación obliga a desarrollar un sistema de trabajo poco habitual. Durante buena parte de los ensayos Mansilla permanece dentro de la escena junto al resto del reparto, pero cuando la obra comienza a adquirir continuidad abandona temporalmente su personaje para observar el montaje desde fuera. Solo así puede corregir movimientos, ritmos o interpretaciones. Mientras tanto, el resto del elenco debe continuar sin uno de los personajes, un procedimiento que, reconoce, exige un esfuerzo adicional por parte de los actores.
La confianza acumulada durante años facilita ese proceso. Mansilla recuerda que trabaja con Manu Arrarás prácticamente desde la adolescencia y que con Marina Requena comparte no solo el escenario, sino también una estrecha relación personal. Esa complicidad permite que muchas decisiones nazcan casi sin necesidad de hablar. Algo parecido ocurre con Fernando y Pablo Alemany o con su propia hermana, María Mansilla, habituales en las producciones de Phoenix.
Especial significado tiene para la compañía la incorporación de Domingo García, alejado de los escenarios durante años. Mansilla recuerda haberse formado teatralmente junto a él dentro de Concord, bajo la dirección de José María Antón, y considera que su regreso supone recuperar una forma de entender la interpretación que marcó a toda una generación de actores melillenses. En la obra, sostiene, García aporta precisamente esa solemnidad que contrasta con el carácter más histriónico del resto del reparto.
El montaje incorpora además un recurso que Phoenix nunca había utilizado: la figura del narrador. La voz, interpretada por Santiago Anglada, nunca aparece físicamente sobre el escenario, pero acompaña al espectador durante toda la representación guiando el desarrollo de la historia y resolviendo uno de los principales desafíos del formato. Condensar en cincuenta minutos un relato que abarca un largo periodo de tiempo, años incluso, obligaba a encontrar una solución narrativa que evitara largas explicaciones y que permitiese al espectador continuar con el hilo argumental. Mansilla encontró la inspiración en la película animada de Robin Hood, donde un narrador conduce constantemente el avance de la acción.
El apartado visual ocupa igualmente un lugar central en la propuesta. Pensando específicamente en el Hospital del Rey, la directora diseñó una escenografía basada en tres módulos giratorios capaces de generar hasta seis espacios diferentes. Conforme avanza la representación aparecen el mercado, la fachada de la casa de don Pedro, el dormitorio de Isabel o distintos rincones del pueblo, permitiendo situar visualmente al espectador en cada escena sin recurrir a explicaciones añadidas en el guion. La intención era que el decorado narrara también parte de la historia y acompañase el desarrollo de la misma.
La base técnica de esa escenografía ha sido realizada por Juan Vega y José Sánchez, con la colaboración de Martimanía, mientras que María Ángeles Alemany y Juan Requena han contribuido al atrezo que completa cada uno de los bloques giratorios. El vestuario, diseñado por la propia Mansilla, combina el trabajo desarrollado por Aurelia Campos con piezas confeccionadas por una empresa especializada en trajes para las fiestas de Moros y Cristianos, manteniendo una estética medieval que alimenta todo el espectro visual de la obra en consonancia con la referencia de el Siglo de Oro español.
Detrás de ese resultado existe un trabajo colectivo que va mucho más allá de la interpretación. Rosa María Jiménez ejerce como ayudante de dirección y se convierte en sus ojos cuando ella permanece sobre el escenario. También participa en la producción y en el montaje de la escenografía, igual que buena parte del equipo. Pintar decorados, cargar estructuras o preparar el espacio forma parte de una rutina compartida en la que intervienen actores, familiares y colaboradores. La directora habla de Phoenix como una compañía, pero también como una familia donde las responsabilidades terminan mezclándose con absoluta naturalidad.
Todo ese recorrido creativo desembocará esta semana en el Hospital del Rey. Bajo las torres de Teruel nace de un texto escrito hace varios siglos, pero también de meses de lectura paciente, de manuscritos casi ilegibles, de ensayos donde las escenas siguieron transformándose y de un equipo que ha construido el montaje desde muchos frentes distintos y que lleva semanas permitiéndose disfrutar con esta comedia de lo absurdo tras haberla trabajado y pulido.
